A metà anni novanta la carriera della pop star australiana Kylie Minogue era in un vicolo cieco. Diventata famosa negli anni ottanta come attrice in una popolare soap opera del suo paese, aveva intrapreso, all’inizio quasi per scherzo, una carriera musicale che l’aveva vista diventare un’eroina pop dei due mondi, tra Australia e Regno Unito. Dopo quattro album di successo prodotti tra il 1988 e il 1991 dal trio Stock Aitken e Waterman (quelli di Rick Astley, Dead or Alive e Bananarama) Kylie Minogue sembrava aver perso slancio. Soprattutto lei stessa sembrava essersi stancata di essere Kylie Minogue, tanto da decidere, con una mossa che poteva sembrare avventata, di liberarsi dei produttori e degli autori che l’avevano resa famosa. Kylie era pronta a fare la fine di tante altre meteore del pop britannico.

Lei però era qualcosa di più di una meteora piovuta nel Regno Unito da una lontana ex colonia: si era insinuata silenziosamente nell’immaginario collettivo. La sua immagine si era evoluta fino a diventare un avatar delle fantasie maschili più trasversali. Era la divetta che con hot pants di jeans strappati ammiccava dai poster di riviste come Just Seventeen e Smash Hits ed eccitava le fantasie degli adolescenti eterosessuali. Allo stesso tempo era anche la vestale del dance pop più leggero e una fatina buona per gli adolescenti gay che si affacciavano per la prima volta in discoteca. La vecchia formula musicale era esaurita, ma Kylie Minogue continuava a essere una fantasia per molti ragazzi, gay o etero, e un punto di riferimento per molte ragazze attratte da quella sua innata capacità di essere sexy e rassicurante allo stesso tempo. Kylie era anche un’ossessione erotico-musicale per il musicista australiano Nick Cave che nel 1995 la contatta proponendole una canzone intitolata Where the wild roses grow, una canzone che parla di una passione omicida, di una versione morbosamente romantica di quello che oggi chiameremmo femminicidio. “Avevo una silenziosa ossessione per Kylie”, ha detto Cave nel 2007, “Da anni avevo intenzione di scrivere qualcosa per lei ma nessuna delle canzoni che scrivevo mi sembrava davvero adatta alla sua personalità. Poi ho scritto questo pezzo, un dialogo tra un assassino e la sua vittima, e glie l’ho mandata. Lei mi ha risposto il giorno dopo”. Tra i due nasce una collaborazione molto fortunata e un’amicizia che dura ancora.

A differenza di Madonna, che si è fatta largo a spallate nell’immaginario pop globale, Kylie Minogue ci è entrata in punta di piedi e i suoi cambi di direzione musicale, di look e di personalità non erano mai dei proclami o delle chiamate alle armi. Madonna ha sempre proiettato un’immagine forte e assertiva, Kylie è sempre rimasta una showgirl che con grazia, giocosità e non poca ironia, cambiava costumi e canzoni lasciandoci sempre intravedere qualcosa da dietro il tendone del circo.

Da metà anni novanta in poi, dunque, per Kylie Minogue comincia una rischiosa ma esaltante fase di sperimentazione. Sapere di non avere nulla da perdere la rende coraggiosa e non essere più una ragazzina la rende sicura delle sue scelte. Impossible princess è il più sperimentale e arrischiato album che Kylie Minogue abbia mai fatto. E questo lo rende sicuramente il mio preferito. Aveva cominciato a lavorare sui nuovi pezzi con il duo dance britannico Brothers in Rhythm ma presto salirono a bordo altri autori e altri produttori, tra cui la band indie rock Manic Street Preachers, Dave Ball (già sodale di Marc Almond nei Soft Cell) e Robert Dougan, stimato produttore trip hop e autore di Clubbed to death, pezzo che sarebbe diventato famosissimo grazie alla colonna sonora di Matrix.